Akira est un manga de science-fiction de Katsuhiro Otomo, prépublié dans le magazine Young Magazine de l’éditeur Kōdansha entre 1982 et 1990, puis compilé en six volumes. Dans un Néo-Tokyo rebâti sur les cendres d’une explosion cataclysmique, deux adolescents — Kaneda et Tetsuo — sont happés par un engrenage de pouvoirs psychiques, de conspirations militaires et d’autodestruction collective.
Couronné par le prix Kōdansha du manga en 1984, adapté en long-métrage d’animation en 1988, Akira a redéfini la perception du manga en Occident et reste, quarante ans plus tard, un point de référence difficile à égaler. Les recommandations qui suivent en prolongent l’esprit.
1. Dômu : Rêves d’enfants (Katsuhiro Otomo, 1983)
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Avant Akira, Katsuhiro Otomo posait déjà les fondations de son univers avec Dômu. Dans un grand ensemble d’immeubles japonais, des morts suspectes – suicides, accidents – se multiplient depuis trois ans. La police piétine jusqu’à ce que l’enquête révèle un affrontement entre deux êtres aux pouvoirs télékinésiques : un vieillard sénile et une petite fille. Otomo s’est inspiré d’un fait divers réel, la vague de suicides inexpliqués de la cité HLM de Takashimadaira dans les années 1970.
On retrouve ici les thèmes qui irriguent Akira – enfants dotés de pouvoirs hors norme, destructions urbaines, fossé entre générations – mais condensés dans un seul volume d’une redoutable efficacité. La mise en page, très cinématographique, et le réalisme graphique annoncent le style qui fera la renommée d’Otomo à l’international. Un point de départ idéal pour qui souhaite remonter aux racines d’Akira.
2. Gunnm (Yukito Kishiro, 1990)
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Dans Kuzutetsu, immense décharge qui s’étend sous la cité aérienne de Zalem, le cybernéticien Ido découvre la tête d’un cyborg amnésique qu’il baptise Gally. Sans souvenirs mais dotée d’un instinct martial dévastateur — le Panzer Kunst —, Gally tente de reconstituer son passé dans un monde où l’on survit par la force ou pas du tout.
Comme Akira, Gunnm montre des corps que la technologie déforme sans les libérer, et une ville stratifiée où les puissants vivent en altitude, les autres dans les déchets. Mais Kishiro pousse la question plus loin : que reste-t-il de l’humain quand le corps entier est une prothèse ? C’est dans les séquences de combat — en particulier celles du Motorball, course armée d’une brutalité jubilatoire — que la réponse prend forme.
Neuf tomes, suivis de deux prolongements (Gunnm Last Order et Gunnm: Mars Chronicle). Une adaptation cinématographique de Robert Rodriguez, Alita: Battle Angel, est sortie en 2019.
3. The Ghost in the Shell (Masamune Shirow, 1989)
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En 2029, dans la ville portuaire de Niihama, le Major Motoko Kusanagi dirige la Section 9, unité de contre-cyberterrorisme. Son corps est entièrement artificiel ; seul un cerveau augmenté d’implants la rattache encore à l’organique. L’affaire centrale — la traque du Marionnettiste, une intelligence artificielle devenue consciente — ne se contente pas de poser la question de la frontière entre humain et machine : elle la rend caduque.
Shirow nourrit ses pages de notes infrapaginales et de références scientifiques qui ralentissent la lecture autant qu’elles l’enrichissent. Le ton passe sans transition de l’humour potache à des réflexions tirées d’Arthur Koestler (Le Cheval dans la locomotive). L’adaptation de Mamoru Oshii en 1995, puis les séries Stand Alone Complex, ont chacune pris des directions propres ; le manga d’origine reste le plus dense et le plus déroutant de toutes ces déclinaisons.
4. BLAME! (Tsutomu Nihei, 1997)
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Killy, solitaire et quasi mutique, arpente la Mégastructure — une cité dont le diamètre excède l’orbite de Jupiter — à la recherche de porteurs de gènes terminaux du réseau, seuls capables de rétablir le contact entre les humains et la résosphère. Contre lui : les sauvegardes, entités déployées pour éliminer tout accès non autorisé, et les Silicates, créatures hostiles à l’humanité.
Ancien étudiant en architecture, Nihei fait de la structure bâtie le protagoniste du récit. Les décors — gouffres verticaux, escaliers qui ne mènent nulle part, strates empilées sur des milliers de niveaux — écrasent les personnages et évoquent Giger, Beksiński, Mœbius. Les dialogues sont rares ; la narration repose presque entièrement sur le dessin. Ne vous attendez pas à des clés de lecture : BLAME! n’en fournit aucune, et c’est précisément cette opacité qui rend le retour aux pages si tenace.
5. Eden: It’s an Endless World! (Hiroki Endo, 1997)
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Un virus d’origine inconnue — le closure virus — décime quinze pour cent de la population mondiale, durcit l’épiderme de ses victimes et liquéfie leurs organes internes. Le Propater, une organisation aux méthodes radicales, renverse l’ordre géopolitique et instaure un gouvernement fédéral mondial. Le récit suit sur deux générations la famille Ballard : d’abord Enoa, immunisé contre le virus, puis son fils Elijah, livré à un monde brutal dès l’adolescence.
Hiroki Endo revendique ses dettes envers Otomo et Shirow, et cela se sent : même ampleur du cadre, même refus de ménager les personnages. Mais Eden ajoute à la hard science une couche de gnosticisme — péché originel technologique, quête de transcendance par la chair — qui tire le récit vers des zones inhabituelles pour un manga. La chronologie est éclatée, les points de vue se multiplient, et le trait réaliste gagne en précision au fil des dix-huit volumes — comme si Endo apprenait à dessiner le monde qu’il avait imaginé.
6. Nausicaä de la Vallée du Vent (Hayao Miyazaki, 1982)
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Mille ans après les Sept jours de feu, conflit qui a anéanti la civilisation industrielle, la Terre est en grande partie recouverte par la Mer de la Décomposition (fukai), forêt toxique peuplée d’insectes géants — les Ômu. Nausicaä, princesse du petit royaume frontalier de la Vallée du Vent, refuse la peur de son époque et cherche à comprendre le rôle véritable de cet écosystème. L’affrontement entre l’empire tolmèque et le peuple dork la force à entrer en guerre.
Le manga, sept tomes rédigés sur douze ans (1982-1994), va beaucoup plus loin que le film de 1984, qui n’en adaptait que le premier tiers. Ce qui semblait d’abord un plaidoyer limpide pour la nature se complique de volume en volume : Miyazaki refuse de choisir un camp, brouille les lignes entre protecteur·ices et destructeur·ices, et aboutit à une conclusion ambiguë, inconfortable — à des lieues du conte écologique auquel on le réduit souvent.
7. 20th Century Boys (Naoki Urasawa, 1999)
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1969 : un groupe d’enfants, mené par Kenji Endô, consigne dans un Cahier de Prédictions un scénario de fin du monde de leur invention. 1997 : Kenji, devenu gérant d’un modeste konbini, découvre qu’un gourou nommé Ami réalise point par point les scénarios imaginés trente ans plus tôt. Les morts suspectes se multiplient ; un symbole familier refait surface.
Le récit progresse par allers-retours entre trois époques — l’enfance, la fin du XXᵉ siècle et un futur totalitaire — et distribue ses révélations entre une dizaine de personnages dont aucun ne possède le tableau complet. La mécanique du suspense est si efficace que les vingt-deux tomes (plus deux de conclusion sous le titre 21st Century Boys) passent à une vitesse absurde. Derrière le thriller, une question simple et lancinante : sommes-nous devenus les adultes que nous rêvions d’être ?
8. Devilman (Gō Nagai, 1972)
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Akira Fudô, lycéen effacé, apprend par son ami d’enfance Ryô Asuka que les démons — créatures antérieures à l’humanité — sont sur le point de se réveiller. Pour les combattre, Akira fusionne avec le démon Amon lors d’un sabbat, mais conserve sa conscience humaine : il devient Devilman. Ce qui commence comme un récit d’action fantastique bascule, en quelques chapitres, vers une fable apocalyptique sans retour.
Publié en 1972-1973 dans le Weekly Shōnen Magazine, Devilman a pris à revers tout ce que le manga autorisait alors : violence frontale, érotisme, et surtout une vision de la nature humaine si noire que la conclusion reste, cinquante ans après, l’une des plus sidérantes du medium. Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion) et Tatsuki Fujimoto (Chainsaw Man), entre autres, ne s’en sont jamais vraiment remis. Cinq tomes brefs, denses — le genre de lecture qui modifie ce qu’on attend de la suite.
9. Dragon Head (Minetarō Mochizuki, 1995)
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Au retour d’un voyage scolaire, un Shinkansen déraille dans un tunnel. Seuls trois collégiens survivent : Teru, Ako et Nobuo. Coupés du monde, plongés dans l’obscurité au milieu des cadavres, ils affrontent la faim, la claustrophobie et la folie qui gagne Nobuo. Quand ils parviennent enfin à s’extraire du tunnel, le paysage de cendres qui les attend ne fait qu’ouvrir un second cauchemar, plus vaste et plus silencieux.
Mochizuki — salué par Otomo lui-même — construit un thriller psychologique entièrement fondé sur la peur : peur du noir, peur de l’autre, peur de ce qu’on pourrait devenir. Le trait, nerveux et précis, refuse tout effet spectaculaire ; chaque page joue de l’ombre et de la lumière comme d’un instrument d’angoisse. Sur dix tomes, la catastrophe n’est jamais le sujet — ce qui l’est, c’est la vitesse à laquelle la civilité s’effondre quand le monde cesse de tenir debout.
