Avant même que le terme « manga » n’existe, des artistes japonais gravent des caricatures sur bois, peignent des rouleaux narratifs et croquent la société dans des estampes diffusées à grande échelle. Puis arrive la Seconde Guerre mondiale, et avec elle un traumatisme national qui change la donne : au lendemain de la défaite, le Japon est en ruines, la censure américaine interdit la propagande militariste et une grande partie de la production culturelle d’avant-guerre.
C’est dans ce vide que s’engouffre la bande dessinée : le papier est bon marché, les réseaux de distribution existent encore, et un peuple privé de divertissements a soif d’évasion. C’est dans ce contexte qu’Osamu Tezuka réinvente le médium et pose les bases du manga moderne. En moins d’un demi-siècle, ce qui était un divertissement populaire vendu pour quelques yens se transforme en une industrie qui pèse plusieurs milliards d’euros — le cinéma, la télévision, le jeu vidéo et la mode s’en nourrissent autant qu’ils l’alimentent.
D’Astro Boy à One Piece, le manga n’a jamais cessé de muter, et la France, deuxième marché mondial après le Japon, le sait bien. Le sujet a généré une littérature abondante. Voici neuf livres pour en comprendre l’histoire, de l’époque Heian (794-1185) aux ventes record des années 2020.
1. Histoire(s) du manga moderne : 1952-2024 (Matthieu Pinon et Laurent Lefebvre, 2025)
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Tous deux journalistes issus des revues spécialisées Animeland et Coyote Mag, Matthieu Pinon et Laurent Lefebvre publient la première édition de cet ouvrage en 2012. Le principe est simple : une double page par année, de 1952 à nos jours. La date de départ n’est pas choisie au hasard — c’est celle de la publication de Tetsuwan Atomu (Astro Boy), le manga fondateur d’Osamu Tezuka, considéré comme l’acte de naissance du manga moderne. Sur la page de gauche, une synthèse du contexte socio-économique et politique du Japon cette année-là ; sur celle de droite, le portrait d’un mangaka (un auteur·ice de manga) qui a percé à cette période. De Tezuka à Mari Yamazaki (Thermae Romae), de Go Nagai (Devilman) à Katsuhiro Ōtomo (Akira), le livre couvre plus de soixante-dix profils. L’ensemble est illustré par Nicolas Hitori De et complété par une longue interview croisée de trois éditeurs français de manga, qui retrace l’implantation de la BD japonaise dans l’Hexagone.
La version présentée ici est la quatrième édition, mise à jour jusqu’en 2024. Ce que les lecteur·ices apprécient avant tout, c’est la mise en vis-à-vis entre histoire du Japon et histoire du manga : on comprend mieux, par exemple, pourquoi l’angoisse nucléaire née d’Hiroshima et de Nagasaki imprègne durablement la science-fiction japonaise (de Godzilla en 1954 à Akira en 1982), ou pourquoi le manga contestataire se multiplie à la fin des années 1960, quand les universités japonaises s’embrasent contre le traité de sécurité nippo-américain. Le format double page impose une certaine concision — chaque profil tient en quelques paragraphes —, mais le livre fonctionne aussi bien en lecture linéaire qu’en picorage. Glossaire, index et bibliographie complètent l’ensemble.
2. Histoire du manga (Karyn Nishimura-Poupée, 2010)
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Correspondante de l’AFP à Tokyo pendant quinze ans, puis journaliste pour Radio France et Libération, lauréate du prix Shibusawa-Claudel pour son essai Les Japonais, Karyn Nishimura-Poupée vit au Japon depuis le début des années 2000. Elle est par ailleurs mariée au mangaka Taku Nishimura, alias Jean-Paul Nishi (à qui l’on doit À nous deux Paris !). Concrètement, cela signifie qu’elle a un accès direct au milieu éditorial japonais et qu’elle connaît de l’intérieur les conditions de création d’un manga. Publié chez Tallandier, réédité en 2016 puis en 2022, son essai approche les 450 pages et ne se contente jamais d’effleurer son sujet.
Nishimura-Poupée remonte bien avant Tezuka. Elle consacre ses premiers chapitres à l’origine du mot « manga » lui-même — dont la traduction habituelle, « images dérisoires », est réductrice : le terme a en réalité désigné des choses très différentes selon les époques, et n’a pas toujours été celui qu’on employait (certains magazines lui préféraient komikku, calque de l’anglais comic). Elle rend aussi hommage à Rakuten Kitazawa, le véritable fondateur du manga de presse au début du XXe siècle, souvent éclipsé par Tezuka dans les récits grand public.
L’angle du livre est résolument sociologique : chaque période du manga est reliée aux transformations de la société japonaise. Dans l’immédiat après-guerre, le manga offre une évasion bon marché à une population appauvrie ; dans les années 1960, des auteurs comme Sanpei Shirato publient des récits de rébellion qui trouvent un écho direct chez les étudiants en lutte contre le pouvoir conservateur ; dans les années 1970, des mangakas comme le « groupe de l’an 24 » (Moto Hagio, Keiko Takemiya…) s’emparent du shōjo pour y traiter l’identité de genre, la sexualité et l’émancipation féminine, des sujets alors quasi absents de la production masculine. Un chapitre entier est d’ailleurs consacré aux mangakas femmes.
La densité du propos — le livre regorge de noms, de titres, de dates — impose une lecture par étapes plutôt qu’en une seule traite, mais c’est précisément cette densité qui en fait la valeur.
3. Manga : histoire et univers de la bande dessinée japonaise (Jean-Marie Bouissou, 2010)
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Jean-Marie Bouissou est normalien, agrégé d’histoire, directeur de recherche à Sciences Po et spécialiste du Japon contemporain. Mais c’est aussi un lecteur de manga depuis plus de trente ans — y compris des séries pour adolescents les plus populaires. Cette particularité (un universitaire reconnu qui lit Dragon Ball avec autant d’intérêt qu’un rapport de la Banque du Japon) se ressent à chaque chapitre : l’analyse est rigoureuse, mais jamais condescendante envers son objet. Publié aux éditions Philippe Picquier en 2010, l’ouvrage compte près de 400 pages et se découpe en deux grandes parties.
La première retrace l’histoire du manga depuis les e-hon, ces livres d’histoires en images qui circulaient durant la période Edo (XVIIe-XIXe siècles) et qui constituent l’un des ancêtres du manga moderne. La seconde fournit des clefs pour décoder ce qui déroute souvent le lecteur occidental. Bouissou y passe en revue les principaux genres : le shōnen (manga pour adolescents, axé sur l’aventure et le dépassement de soi), le shōjo (manga pour adolescentes, centré sur les relations et les émotions), le seinen (manga pour adultes, aux thèmes plus sombres ou complexes), mais aussi l’horreur, la science-fiction, le manga politique ou le manga pornographique.
Il s’attaque frontalement aux idées reçues : pourquoi tant de violence dans le manga ? (En partie parce que le théâtre kabuki — un art scénique japonais du XVIIe siècle — mettait déjà en scène des combats très stylisés.) Pourquoi cette place accordée au scatologique ? (Le shintoïsme, religion traditionnelle du Japon, associe les fonctions corporelles à la fertilité de la terre, sans le tabou chrétien.) Pourquoi ces yeux immenses ? (L’influence directe des comics américains et du cinéma d’animation de Disney, via Tezuka.) Chaque réponse est ancrée dans l’histoire culturelle du Japon. Le livre donne par ailleurs de nombreuses pistes de lecture — idéal pour qui veut savoir par où commencer.
4. JUMP – L’âge d’or du manga (Hiroki Gotô, 2019)
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Dragon Ball, Olive et Tom, Ken le survivant, Les Chevaliers du Zodiaque, Nicky Larson… Tous ces titres qui ont marqué l’enfance télévisuelle de millions de Français sont nés dans les pages du même magazine de prépublication : le Weekly Shōnen Jump (un hebdomadaire où les mangas paraissent chapitre par chapitre, avant d’être compilés en volumes). Hiroki Gotô y entre comme éditeur en 1970, en devient rédacteur en chef entre 1986 et 1993 — précisément la période durant laquelle les ventes atteignent des sommets historiques, avec un pic à 6,53 millions d’exemplaires par semaine en 1994, un record inscrit au Guinness. Traduit par Julie Seta et publié chez Kurokawa, ce livre est la version française de ses mémoires professionnelles.
Le récit est chronologique et fourmille d’anecdotes de coulisses. On y apprend que le Shōnen Jump fonctionnait selon six grands principes éditoriaux (amitié, effort, victoire, entre autres) et qu’un système d’enquêtes hebdomadaires auprès des jeunes lecteurs décidait du sort de chaque série : si un manga chutait durablement dans le classement, il était arrêté, quel que soit le renom de son auteur. Gotô raconte aussi les clauses d’exclusivité que le magazine imposait aux mangakas — et que Go Nagai refusa de signer, ce qui lui permit de publier Devilman chez un éditeur concurrent sans abandonner Mazinger Z au Jump.
Le livre n’occulte pas le versant sombre de cette mécanique : rythmes de travail infernaux, pression constante, et parfois des cas de karōshi (mort par surmenage, un fléau reconnu au Japon). Gotô ne se ménage pas lui-même et admet ses erreurs de jugement. Certaines critiques lui reprochent un traitement parfois superficiel des séries les plus célèbres, et un schéma répétitif (époque → chiffres de vente → présentation des titres), mais le témoignage reste irremplaçable : c’est la seule fois où un acteur central de cette machine éditoriale raconte ce qui se passait derrière les portes de la rédaction.
5. Manga : soixante ans de bande dessinée japonaise (Paul Gravett, 2005)
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Conservateur et critique de bande dessinée pour The Guardian, ancien correspondant pour l’Angleterre des Cahiers de la BD, Paul Gravett a aussi conçu plusieurs expositions au Musée de la bande dessinée d’Angoulême. Son ouvrage, traduit de l’anglais par Frédéric Brument et publié aux Éditions du Rocher, se présente comme un beau-livre abondamment illustré — un format qui lui permet de reproduire des planches entières, dont certaines jamais vues en France. On y trouve notamment des pages de samouraïs signées Sanpei Shirato et des planches coupées de la version finale de Shin Takarajima (La Nouvelle Île au trésor) d’Osamu Tezuka.
Gravett fait remonter la généalogie du manga au XIIe siècle, avec les e-maki — de longs rouleaux peints qui racontaient des légendes, des batailles ou des scènes de vie quotidienne en images séquentielles (le critique japonais Fusanosuke Natsume les qualifie de « prémangas »). Mais l’essentiel du livre couvre la période 1945-2005 et s’organise par genres : shōnen, shōjo, genres adultes. Gravett insiste sur un point souvent sous-estimé : l’influence du cinéma hollywoodien et des comics américains sur la grammaire du manga — cadrages variés, découpage rapide, effets de profondeur —, des techniques qui ont transité par les États-Unis avant d’être absorbées et transformées par les auteurs japonais.
Le dernier chapitre, consacré à la mondialisation du manga, avance une thèse qui ne fait pas consensus : Gravett y voit un rejet de l’individualisme occidental au profit de valeurs collectives japonaises. On peut aussi regretter l’absence de mangakas pourtant incontournables — Masami Kurumada et Les Chevaliers du Zodiaque, par exemple, ne sont jamais mentionnés. Le livre a vingt ans et accuse son âge sur certains sujets, mais l’édition française (qui indique en légende les éditeurs hexagonaux des titres cités) conserve un atout de taille : sa richesse iconographique.
6. Aux origines du manga (Isao Shimizu, 2024)
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Publié aux Éditions de La Martinière, le sous-titre de cet ouvrage — De la période de Heian à l’ère Meiji — cadre les choses : on couvre ici la période qui va de 794 à 1912, soit bien avant la naissance du manga moderne. Le territoire est celui des rouleaux illustrés (emakimono), des estampes ukiyo-e (ces « images du monde flottant » qui dépeignaient la vie urbaine, les courtisanes et les paysages durant l’époque Edo), des caricatures de presse et des premières images imprimées en série grâce à la gravure sur bois polychrome. C’est d’ailleurs cette technique d’impression, apparue à Osaka vers 1720, qui a fait du dessin satirique japonais un objet de consommation de masse — et non plus un simple art de cour.
Historien de l’art, professeur à l’université Teikyō Heisei de Tokyo, spécialiste du dessin satirique japonais et conseiller du Musée international du manga de Kyōto, Isao Shimizu signe la préface de ce volume bilingue français-japonais qui rassemble 300 images commentées, d’Utagawa Kuniyoshi à Katsushika Hokusai. Le classement ne suit pas la chronologie, mais regroupe les images par catégorie : caricatures, scènes comiques, rébus, satires sociales… Ce parti pris donne à l’ensemble l’allure d’un catalogue raisonné plutôt que d’un récit linéaire, ce qui peut dérouter certain·es lecteur·ices — le fil conducteur entre les époques n’est pas toujours facile à reconstituer.
Mais l’intérêt du livre est ailleurs : il montre, preuves à l’appui, que le goût japonais pour la narration par l’image ne date pas du XXe siècle, et que le manga contemporain hérite de traditions graphiques vieilles de plusieurs siècles. Le répertoire biographique des artistes, en fin de volume, est un bonus appréciable. À réserver toutefois aux lecteur·ices déjà familier·ères du sujet : sans bases préalables, le classement thématique peut désorienter.
7. Manga (Nicole Coolidge Rousmaniere et Matsuba Ryōko, 2020)
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En 2019, le British Museum organise la plus grande exposition jamais consacrée au manga en dehors du Japon. Nicole Coolidge Rousmaniere, conservatrice des arts japonais au musée et directrice de recherche à l’Institut Sainsbury (University of East Anglia), en est la commissaire. Le catalogue de cette exposition, coédité avec Matsuba Ryōko et publié en français par La Martinière et Kana, dépasse les 300 pages en grand format. Il est structuré en six sections qui reproduisent le parcours de l’exposition : la fabrication d’un manga (du crayonné au livre imprimé), la puissance du récit, le visible et l’invisible, manga et société, le mouvement par le trait, et l’expansion du médium vers d’autres supports (animation, jeux vidéo, mode).
La singularité de ce livre tient à la variété de ses contributeur·ices : des mangakas, des éditeur·ices, des universitaires, des conservateur·ices de musée. On y trouve des entretiens de fond avec des professionnel·les du secteur et des essais spécialisés sur des sujets rarement abordés ailleurs. Matsuba Ryōko, par exemple, déconstruit une idée reçue très répandue : non, le manga ne descend pas en droite ligne des ukiyo-e — le lien entre les estampes de l’époque Edo et la bande dessinée moderne est bien plus indirect et complexe qu’on ne le dit souvent.
Autrice pionnière du shōjo dans les années 1970, Takemiya Keiko y présente la technique Genga’ (Dash), un procédé de reproduction fidèle des manuscrits originaux de manga — planches, corrections, traces de crayon comprises — qu’elle a mis au point pour archiver ces documents fragiles que les expositions temporaires abîment. L’ambition du livre est de traiter le manga non comme un simple divertissement, mais comme un art digne du British Museum — rien que ça.
8. Manga, que d’histoires ! (Matthieu Pinon, 2022)
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Matthieu Pinon revient ici en solo, cette fois chez Larousse, avec un beau-livre de 240 pages préfacé par Hiro Mashima, le créateur de Fairy Tail. L’approche diffère de son Histoire(s) du manga moderne coécrit avec Laurent Lefebvre : là où ce dernier adoptait une structure annuelle (une double page par an), Manga, que d’histoires ! opte pour un découpage thématique et chronologique plus souple. Le livre progresse décennie par décennie et s’arrête sur les séries, les auteur·ices et les mouvements qui ont compté. On croise ainsi la naissance des gekiga dans les années 1950 — ces mangas « dramatiques » destinés aux adultes, en réaction au style rond et enfantin de Tezuka, portés par des auteurs comme Yoshihiro Tatsumi —, l’émergence du manga féministe, et les succès planétaires récents (Demon Slayer, One Piece). Des figures moins connues du public français, comme Shigeru Mizuki (Kitaro le repoussant), côtoient les noms les plus célèbres.
L’ouvrage aborde aussi des sujets transversaux — le féminisme dans le manga, la politique, la guerre — et bénéficie d’une iconographie généreuse (couvertures, planches, photographies). Plusieurs lecteur·ices, y compris des novices, soulignent la clarté de l’organisation et la capacité de Pinon à rendre le sujet compréhensible sans le simplifier à outrance. Pour qui ne veut pas attaquer d’emblée un essai de 450 pages, c’est une lecture efficace — et pour les amateur·ices déjà informé·es, l’occasion de découvrir des titres et des auteur·ices qui leur auraient échappé. À noter : le livre ne fait pas doublon avec Histoire(s) du manga moderne, les deux se complètent plutôt qu’ils ne se répètent.
9. Le manga (Chrysoline Canivet-Fovez, 2014)
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Publié chez Eyrolles dans la collection « Eyrolles Pratique », ce guide d’environ 180 pages est le plus court et le plus synthétique de notre sélection. Chrysoline Canivet-Fovez, diplômée d’arts plastiques, enseignante en arts, certifiée au Japon en calligraphie (shodō) et en art floral (ikebana), propose un panorama chronologique qui va des origines anciennes (dessins burlesques, estampes) au cinéma d’animation contemporain. L’originalité du livre : le texte est accompagné d’illustrations originales spécialement créées pour l’ouvrage, qui permettent de montrer concrètement les caractéristiques graphiques des différents styles de manga (traits, proportions, mise en page) sans reproduire de planches sous droits d’auteur.
Le format compact impose des limites évidentes. Les sujets sont traités de manière succincte, et les lecteur·ices déjà bien informé·es risquent de rester sur leur faim. Certain·es critiques jugent d’ailleurs que le traitement de la période post-1950 manque de rigueur analytique ; d’autres soulignent au contraire que la clarté de l’ensemble convient parfaitement aux néophytes. Car c’est bien là le public visé : des personnes qui veulent comprendre les bases historiques, esthétiques et culturelles du manga — la différence entre un shōnen et un seinen, les grandes étapes de son histoire, les raisons de son succès mondial — avant, éventuellement, de se plonger dans des ouvrages plus substantiels. Un marchepied, en somme, plutôt qu’une destination finale.
